Bamako n’a jamais cessé d’être une ville paradoxale : fragile et vibrante, éprouvée et inventive. Depuis le 1er novembre, ce paradoxe a pris des airs de défi assumé. Dans une capitale en proie aux inquiétudes, le Mali Mode Show, désormais biennale, s’est ouvert avec une assurance qui relève presque du manifeste. Car parler de mode aujourd’hui au Mali, c’est toucher aux tensions du réel, c’est se placer au croisement de la culture, de la diplomatie et de la résilience collective.
Une biennale lancée au cœur d’un moment critique
Depuis plusieurs semaines, la ville vit sous tension. Les attaques contre des convois de carburant ont engendré une pénurie sévère, qui a désorganisé la vie quotidienne jusque dans ses mécanismes les plus basiques. La crise n’a pas seulement touché les stations-service : elle a gelé les mobilités, paralysé les prestataires, renchéri les denrées, fragilisé les chaînes logistiques. Dans cet état d’incertitude, les rumeurs de blocus ont prospéré, amplifiées par la menace sécuritaire. L’appel lancé par certaines ambassades à leurs ressortissants a contribué à installer une atmosphère de crainte diffuse.
Et pourtant, dans ce chaos, c’est une cérémonie lumineuse qui s’est tenue à Bamako. Sous le haut patronage du Ministre de l’Artisanat, de la Culture, de l’Industrie Hôtelière et du Tourisme de la République du Mali, Mamou Daffé, et avec le soutien affirmé de l’Ambassade d’Espagne, la biennale a convoqué plus d’une dizaine de représentations diplomatiques, démontrant que la mode, au Mali, reste un espace stratégique : un territoire de représentation, de dialogue et d’engagement.
Une salle comble, une scène plurielle et l’énergie d’un pays debout
L’ouverture du Mali Mode Show a été un moment rare : un public attentif et un ballet continu de personnalités du monde de la culture, du lifestyle, des affaires et de la diplomatie. Plus de soixante médias, photographes et créateurs de contenus étaient accrédités. Une affluence qui démentait toutes les craintes.
La portée artistique de la cérémonie doit beaucoup au moment phare de la soirée : le spectacle Les gestes de l’héritage, imaginé par Jean Kassim et l’association espagnole Mama Africa. Ce tableau scénique, pensé comme un tissage d’expressions, a incarné avec finesse le dialogue entre tradition et contemporanéité.
Slam, musique live, chorégraphies habitées et défilé de créations en indigo signées JK Design et Mama Africa ont composé un ensemble d’une cohérence visuelle et émotionnelle rare. La scène musicale réunissait la DJ et musicienne Amy Dian et la chanteuse Anna Diabaté, tandis qu’un casting improbable et captivant défilait : la dramaturge Jeanne Diama, égérie de cette édition ; le rappeur Cvcha ; la plasticienne Sacha Alexandra ; le maître marionnettiste Yaya Koulibaly ; le chorégraphe Lassy Koné, dit Donkebaga ; et Jean Kassim lui-même. L’ensemble formait une mosaïque d’identités artistiques dont l’intensité a transcendé les frontières habituelles entre disciplines.
La diplomatie culturelle en action : l’exemple de l’Espagne
L’un des traits marquants de cette édition est l’ampleur de la collaboration internationale, incarnée par l’Ambassade d’Espagne. Dès l’ouverture, les mots de Ibrahim Guindo, dit Akim Soul, coordinateur général du MMS et du représentant de la délégation espagnole ont rappelé l’ancrage de cette relation bilatérale, qui se traduit dans des actions tangibles : formations, ateliers, accompagnement, et surtout la remarquable exposition Afrique Bleu – Histoires tissées en indigo.
Cette exposition itinérante, passée par le Nigéria et l’Espagne Madrid, trouve à Bamako un écrin singulier.
Le public a également apprécié le photocall monumental signé Aminata Diallo, architecte et fille du grand designer Cheick Diallo, Président d’honneur de la biennale. Le geste architectural, à la fois sobre et monumental, a été unanimement salué.
Une biennale qui s’ouvre, se déploie et transforme la ville
Depuis son lancement le 1er novembre, la biennale sillonne la ville, occupe des lieux symboliques, investit les espaces professionnels et naturels :
formations à l’Ambassade d’Espagne
rencontres et afters
lancement des « Dimanches du ZemeBa »
Le ZemeBa, emblématique bateau du Niger, devient un symbole flottant : un espace de liberté, de pensée et de transmission, en rupture avec l’atmosphère de tension qui caractérise la ville.
Un acte de résistance culturelle
S’il ne fallait retenir qu’une chose de cette édition, ce serait la conviction intime que la création peut tenir debout au milieu de la tempête. Que la culture n’annule pas la crise, mais qu’elle offre un espace pour la penser, la traverser, lui opposer un récit vivant.
Dans un Bamako troublé, le Mali Mode Show apparaît comme un acte de résistance, calme, élégant, profondément enraciné, qui embrasse la tradition sans renoncer à la modernité. Une biennale qui continue jusqu’au 30 novembre, et qui réaffirme une vérité essentielle : lorsque la société vacille, la culture fait tenir l’âme.
Le festival Fari Foni Waati (FFW) vient de lancer son appel à candidatures pour sa 10ᵉ édition, prévue en janvier 2026. Dix ans après sa création, ce rendez-vous majeur de la scène chorégraphique africaine continue de tracer un chemin singulier, entre ancrage populaire et rayonnement international.
Une fabrique vivante de la danse contemporaine
Créé en 2017 par la chorégraphe Naomi Fall, le FFW – “Le temps des corps en mouvement” en bambara, est devenu au fil des ans un temps d’expérimentation, de transmission et de structuration porté par l’association De Ceux Qui (DCQ), basée à Bamako. Depuis ses débuts, le festival a su faire émerger une nouvelle génération d’artistes à l’écoute de leur temps, attentifs aux mutations sociales et culturelles du continent.
Au cœur de son dispositif, les laboratoires chorégraphiques rassemblent chaque année une vingtaine de jeunes danseurs africains ou résidents sur le continent, encadrés par trois chorégraphes invités. Ensemble, ils construisent, pendant trois semaines, des pièces collectives qui seront présentées au public lors du Grand Festival, dans les rues de Bacodjicoroni et au Centre culturel BlonBa. Une manière forte d’inscrire la danse dans les territoires et de valoriser la rencontre avec des publics multiples.
2026 : “L’année de l’audace et de la transmission”
L’édition 2026 sera placée sous ce thème fédérateur. Pour sa 10ème édition, le FFW veut célébrer son histoire tout en ouvrant une nouvelle page. L’enjeu ? Renforcer les ponts intergénérationnels, encourager les croisements entre disciplines artistiques et inscrire plus profondément encore la danse contemporaine dans le dialogue avec les enjeux de société : écologie, genre, inclusion, justice sociale.
Sans encore dévoiler les noms des chorégraphes invités, l’équipe annonce des figures reconnues et engagées, et promet une édition marquée par l’ouverture et l’excellence. La direction exécutive du FFW est aujourd’hui assurée par une nouvelle génération d’acteurs culturels : Kadidja Tiemanta (directrice générale), Kossa Christian (direction artistique et technique) et Wilfried Sanwidi (production, administration et développement), avec l’appui de Bamory Samaké, coordinateur général.
Un appel à tous les jeunes danseurs du continent
L’appel à candidatures s’adresse aux danseurs professionnels ou en voie de professionnalisation, résidant en Afrique, avec une expérience en danse contemporaine ou en danses traditionnelles et urbaines. Les candidatures sont ouvertes jusqu’au 31 août 2025 à 23h59 GMT.
Ce processus de sélection passe désormais par un formulaire unique en ligne, avec un dossier simplifié (biographie, lettre de motivation, CV, vidéo de performance, photo professionnelle, etc.). Un webinaire d’information est également prévu le 11 août 2025 à 10h GMT, en français.
De Bamako à l’Afrique entière, un souffle de création
Avec le soutien de partenaires historiques comme BlonBa (Wakloni) et l’engagement croissant du tissu artistique local, le Fari Foni Waati s’inscrit dans un contexte fertile. La récente création de la Fédération malienne des professionnels de la danse marque une nouvelle étape dans la structuration du secteur, portée par la mobilisation des artistes eux-mêmes. Dans cette dynamique, le FFW affirme plus que jamais son rôle de catalyseur : pour les talents émergents, les pédagogues, les programmateurs, et pour toutes celles et ceux qui considèrent la danse comme un levier de transformation et d’émancipation.
Basée à Bamako, l’association De Ceux Qui (DCQ) œuvre depuis 2016 à la promotion et à l’organisation des arts vivants au Mali, avec un engagement fort pour la danse contemporaine. À travers le festival-laboratoire Fari Foni Waati, projet emblématique de son action, DCQ a su créer un espace pérenne de recherche, de création et de diffusion, réunissant chaque année des artistes du Mali et d’autres horizons autour d’une démarche exigeante, inclusive et ouverte aux publics.
Au-delà du festival, l’association développe des programmes pédagogiques, des dispositifs de professionnalisationpour les jeunes artistes, et multiplie les initiatives visant à faire des arts vivants un outil d’engagement citoyen, d’innovation sociale et de dialogue entre les territoires.
Dans le cadre de sa 12ᵉ édition, Visa For Music lance un appel à candidatures pour les activités du Forum professionnel. Si vous êtes une organisation, un·e professionnel·le de la musique, un·e expert·e, un·e formateur·rice ou un·e artiste expérimenté·e, c’est le moment de partager vos savoirs et de nourrir les échanges tout en inspirant la nouvelle génération d’acteurs du secteur musical d’Afrique, du Moyen-Orient et au-delà.
Le Forum Professionnelest un espace privilégié de réflexion, de transmission et de renforcement des compétences, où se rencontrent les professionnels des industries culturelles et créatives pour échanger et se former.
Trois formats sont ouverts aux propositions :
Conférences (90 min) : Des tables rondes animées par un modérateur avec jusqu’à 5 intervenants, autour des enjeux, pratiques ou innovations du secteur musical. Accès libre pour tous les participants.
Masterclasses (1h à 2h) : Des sessions pédagogiques animées par un ou deux intervenants pour transmettre des compétences spécifiques à des jeunes artistes ou professionnels. Sur inscription.
Workshops (2h à 3h) : Des ateliers pratiques à jauge limitée (20 participants max), permettant d’approfondir des outils et méthodes (production musicale, DJing, ingénierie du son, stratégie artistique, etc.). Sur candidature.
Visa For Music est un festival et un marché professionnel des musiques d’Afrique et du Moyen-Orient, se tenant chaque année en novembre à Rabat, au Maroc. Depuis sa création en 2014, cet événement rassemble des artistes, des professionnels de l’industrie musicale, ainsi que des acteurs culturels de tout horizon. L’objectif de Visa For Music est de promouvoir la musique d’Afrique et du Moyen-Orient à l’international, en offrant aux artistes une plateforme pour se faire connaître, en favorisant la création de partenariats, et en soutenant la professionnalisation du secteur culturel et artistique.
L’événement se compose de deux parties distinctes : le festival et le marché, qui ensemble favorisent les rencontres et les opportunités professionnelles. Avec une participation annuelle de 15 000 spectateurs et 1 000 professionnels, Visa For Music est un lieu incontournable pour l’industrie musicale du continent africain et au-delà.
Chorégraphe et performeur ivoirien, William Diarrassouba est de ceux qui avancent avec la foi du bâtisseur. Chaque pas de danse, chaque création, chaque geste est un manifeste. Il construit une œuvre à la fois enracinée et tournée vers l’avenir, avec la certitude que la danse est un moteur de transformation.
D’une dalle familiale à une compagnie reconnue
Danseur, chorégraphe, enseignant et délégué régional de la Fédération Ivoirienne de Danse, William Diarrassouba — de son nom complet Diarrassouba Ibrahim William — incarne l’énergie, la résilience et la vision d’une génération d’artistes africains qui construisent un art à la fois enraciné et contemporain. Son aventure commence par un déclic : le décès de Michael Jackson en 2009. Fasciné par les clips du roi de la pop, William se met à danser sur une dalle chez lui, à Abidjan. À l’époque, il ne le sait pas encore, mais cette dalle deviendra la fondation invisible d’un parcours d’excellence.
En 2012, il passe avec succès un test d’entrée dans un groupe de danse hip-hop. À leurs côtés, il rafle les compétitions, notamment le Malta Street Dance à San Pedro, avant de remporter la finale nationale à Abidjan. Le milieu artistique s’ouvre à lui. En 2016, c’est une nouvelle étape : il intègre l’INSAAC, temple de formation artistique ivoirien, pour une maîtrise en danse. Il y explore les styles classique, traditionnel, contemporain et de salon. Sa polyvalence devient sa signature.
Entre 2017 et 2024, il rejoint la compagnie Tuwani Ofrititi, en devient le chorégraphe officiel, apprend à gérer des tournées et construit des pièces. Puis, en avril 2024, William fonde sa propre compagnie, GX-Marmite Africaine, avec un objectif clair : croiser les disciplines (danse, cinéma, musique), transmettre, inventer, former, tout en affirmant une vision d’auteur.
De la scène ivoirienne à la scène africaine
William multiplie les expériences à travers l’Afrique de l’Ouest et du Nord. Il participe à de nombreux festivals — Festival Connexion (Bénin, 2019), Ankata, FIDO, Fila Ni Kele (2022), Fari foni Waati (2025). Il y présente ses créations, rencontre des figures comme Fatou Cissé, Marcel Gbeffa, Lassina Koné, Andreya Wemba, Salimata Kobré, Christian Romain Kossa, et tisse des liens forts avec d’autres artistes du continent. Il collabore notamment avec Bic Rouge de la Guinée et Diazou Christopher de la Côte d’Ivoire, prouvant à chaque fois l’importance du réseautage Sud-Sud, trop souvent négligé.
« Ce sont ces connexions qui font avancer la carrière », confie-t-il. « Se voir, se parler, échanger entre chorégraphes africains, c’est essentiel. »
Penser la danse comme art majeur
Pour William, la danse ne peut se contenter d’être un divertissement. Elle est un langage, un cri, une manière d’interpeller la société. Il déplore cependant un manque de reconnaissance du métier de danseur, souvent perçu comme secondaire en Afrique de l’Ouest. Il milite pour une structuration du secteur, une meilleure prise en compte des artistes dans les politiques publiques et une revalorisation sociale de la profession.
« Il faut que les danseurs soient fiers de ce qu’ils font. Qu’on les respecte. Qu’on arrête de considérer que ce n’est pas un vrai travail », martèle-t-il.
Il insiste aussi sur le rôle de la danse dans le changement social : « On peut faire réfléchir avec une chorégraphie. La danse peut dire ce que d’autres disciplines n’osent pas. »
Voyager pour créer, malgré les frontières
La mobilité est un autre combat pour William. Il raconte avec force une expérience marquante pendant la crise COVID : un voyage au Burkina Faso, en pleine fermeture des frontières. Une traversée difficile, à moto, dans le froid et les raquettes, pour rejoindre une scène où il tenait à être. « Ça m’a marqué. Ça m’a même fait penser aux clandestins. Mais quand tu crois à ton art, tu y vas. »
Pour lui, les artistes doivent être mieux accompagnés, notamment pour les déplacements à l’international : réduction des coûts, simplification des visas, aides logistiques. La mobilité est le poumon de l’art vivant.
Donner plus de place aux femmes dans la danse
William accorde une attention particulière à l’autonomisation des femmes dans la danse. Il observe les nombreux freins que rencontrent les danseuses : pression sociale, équilibre difficile entre maternité et carrière, manque d’espaces sûrs. Il soutient les initiatives féminines et intègre dans ses projets un engagement clair pour l’égalité.
« Il faut créer les conditions pour que les femmes puissent exister pleinement dans cet art. Et surtout, écouter ce qu’elles ont à dire. »
Et maintenant ? L’avenir selon William
Aujourd’hui, William travaille à renforcer la visibilité de sa compagnie. GX-Marmite Africaine porte des projets ambitieux : nouvelles créations chorégraphiques, programmes pédagogiques dans les écoles, événements culturels, capsules vidéo. Il poursuit l’écriture de projets à diffuser en Afrique et en Europe.
« Je me suis formé, entouré, débrouillé… Maintenant, je transmets. C’est une construction permanente. »
Pour l’instant, il n’a pas encore franchi le cap européen. Pas par manque d’envie, mais par exigence. « Je veux être prêt. Je ne veux pas rater une opportunité faute de préparation. Je construis mon écriture artistique. Quand ce sera le moment, j’y serai. »
Le 1er juin 2025, Smarty, l’artiste burkinabè, se produira pour la première fois au Casino de Paris. Ce concert sera une étape importante de sa carrière, après plusieurs années de succès sur les scènes africaines et une carrière solo et en duo très engagée . Il s’agit d’un moment marquant pour l’artiste, connu pour sa capacité à fusionner le hip-hop avec les sonorités traditionnelles et pour son engagement social.
Pour ce qui ne le connaisse pas, il s’agit de l’une des figures les plus emblématique de rap en Afrique, notamment francophone. C’est dans les années 90 que Smarty découvre le hip-hop et, en 2000, fonde le groupe Yeleen avec l’artiste tchadien Mawndoé. Le groupe marque les esprits avec cinq albums et devient une référence du rap africain, avec à la clé un Kundé d’Or en 2007, un grand prix burkinabè qui récompense la musique depuis maintenant un quart de siècle.
En 2011, Smarty se lance en solo et enrichit son répertoire en intégrant des influences musicales traditionnelles. Son album African Kouleurs (2012) lui vaut le prix Découvertes RFI et une tournée à travers le continent africain. Ses collaborations avec des artistes comme Tiken Jah Fakoly et Magic System lui permettent de s’imposer sur la scène internationale.
Smarty à l’Olympia de Paris en 2014, en première partie du concert de Tiken Jah Fakoly
Au-delà de sa carrière musicale, Smarty est profondément engagé pour des causes sociales. En tant qu’ambassadeur de l’UNICEF, il lutte pour la protection des enfants et s’oppose aux mariages forcés, tout en soutenant les populations déplacées internes au Burkina Faso. En 2023, il reverse l’intégralité de son prix Kundé d’Or à ces populations, marquant ainsi son attachement à la solidarité.
Sa musique, qui résonne dans de nombreuses régions d’Afrique, est également un outil de réflexion sur les enjeux sociopolitiques. À travers ses textes, Smarty incite ses auditeurs à prendre conscience des défis sociaux et à s’engager pour la paix et l’unité, des valeurs qu’il défend activement.
Ecouter Smarty sur Spotify
Un moment attendu à Paris
Après avoir assuré la première partie de Tiken Jah Fakoly à l’Olympia en 2014 et un passage remarqué au Pan Piper en 2024, Smarty revient en 2025 pour un concert exceptionnel au Casino de Paris. Ce sera un moment important pour l’artiste, une nouvelle étape dans sa carrière internationale.
Le 1er juin 2025, il offrira au public parisien un spectacle inédit ! Ce concert, produit par Boss+, sera une belle occasion de découvrir ou redécouvrir l’un des plus grands artistes de la scène musicale africaine. Un événement à ne pas manquer pour les amateurs de musique authentique et d’art engagé.
Depuis le 2 avril, l’association Anw Jigi ART accueille, dans le cadre de son programme « Doni Blon », le projet Actorat-LAB, un atelier de danse dirigé par Kadidja Tiemanta. Ce programme s’inscrit dans une démarche de démocratisation du théâtre malien, visant à adapter les formations aux besoins spécifiques des jeunes publics. Il est soutenu par la Fondation DOEN, permettant ainsi de renforcer les compétences des jeunes comédiens à travers des formations spécialisées.
L’objectif principal de Actorat-LAB est de développer chez les jeunes comédiens des compétences essentielles en diction, expression corporelle et occupation scénique. Avant la finalisation des textes des auteurs maliens impliqués, il est crucial que les comédiens soient préparés à maîtriser leur corps. C’est dans ce cadre que l’atelier de danse de Kadidja Tiemanta intervient, du 2 au 12 avril, pour offrir un réveil corporel aux participants. Cette étape permettra aux comédiens de se préparer physiquement avant d’entamer les exercices de jeu d’acteur qui suivront.
Ce programme s’inscrit dans une dynamique plus large visant à promouvoir la diversité culturelle et à mettre en avant les traditions et récits locaux à travers les pièces écrites pendant cette formation. En permettant à de jeunes auteurs maliens d’exprimer leurs voix et de créer des œuvres théâtrales authentiques, le programme contribue également à la valorisation du patrimoine culturel du Mali.
Parallèlement, ce programme cherche à encourager l’entrepreneuriat féminin et à offrir des opportunités professionnelles aux femmes tout en visant à canaliser les jeunes de la communauté, afin de les éloigner des vices et tentations tels que la drogue et la délinquance.
Kadidja Tiemanta, chorégraphe et danseuse malienne, est une figure engagée dans la promotion de la danse traditionnelle africaine et de la danse contemporaine. Après avoir obtenu un master au Conservatoire des Arts de Bamako, elle a enrichi sa pratique en suivant des formations dans plusieurs pays d’Afrique, et en collaborant avec des chorégraphes internationaux. Son travail explore la mémoire, la transmission des savoirs et l’émancipation par le mouvement, en intégrant les influences des danses traditionnelles et contemporaines.
En tant que directrice artistique du festival Fari Foni Waati, un festival-laboratoire de danse contemporaine, Kadidja Tiemanta porte la vision audacieuse de l’association De Ceux Qui, engagée dans la formation des jeunes du secteur des arts vivants au Mali. Le Fari Foni Waati offre aux jeunes danseurs un espace d’expérimentation avec des chorégraphes internationaux.
Ainsi, l’intervention de Kadidja Tiemanta dans le cadre de ce programme, avec son atelier de danse, constitue une étape importante dans la formation des jeunes comédiens maliens. Cette démarche vise à renforcer les compétences des artistes tout en contribuant à l’enrichissement de la scène théâtrale malienne et à la mise en valeur des expressions culturelles locales.
